5 Mejores películas de amor para disfrutar

Barton Fink

Entra en el espacio de cabeza de Barton Fink (John Turturro). Uno de los mash-ups más oblicuos de los hermanos Coen, Barton Fink combina la sátira clásica de Hollywood, saludables dosis de imágenes surrealistas, y horror psicológico directamente de la «trilogía del apartamento» de Roman Polanski. (Afortunadamente para los Coen, Polanski encabezó el jurado en Cannes ese año, consiguiéndoles la Palma de Oro.)

Basándose en las experiencias del dramaturgo izquierdista Clifford Odets durante su estancia en Tinseltown en 1940, Barton Fink admite que la vieja visión sobre el comercio versus la creatividad con ingenio y un ojo salvaje. (Tal como lo expresa el acosado productor de nivel medio de Tony Shaloub durante el almuerzo en el economato: «Tira una piedra aquí, y le darás a un escritor. Y hazme un favor, Fink. Tírala fuerte») En otro nivel, ¿qué mejor manera de que los Coen superen un caso de bloqueo de escritor que escribir sobre un escritor que sufre de bloqueo de escritor? Precisamente ese tipo de meta-circularidad es emblemática de su método de trabajo.

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Cazador Blanco, Corazón Negro

Un desmentido demoledor, una anécdota elegantemente articulada, una crítica concisa de la intolerancia, una puñalada chocante de misoginia, una tensión dramática expertamente trucada y un puñado de frases infinitamente citadas, todo ello contenido de alguna manera en una sola escena de White Hunter de Clint Eastwood, Corazón Negro, un centro de mesa que encuentra al mismo Eastwood, como un sustituto de John Huston con un fino velo, que se enfrenta a una rubia pechugona después de hacer un vil comentario antisemita.

Es un número destacado que roba el espectáculo, pero es la escena inmediatamente posterior, en la que John Wilson de Eastwood deja caer un epíteto racial antes de lanzarse de cabeza a una pelea de puños borrachos, la que más claramente elucida el tema central de la película.

Adiós Sur, Adiós

Perfectamente equilibrado entre el movimiento y la inmovilidad, el triunfo de Hou Hsiao-hsien en 1996 observa como sus pequeños gángsteres alternan entre quedarse por ahí, esperando que algo suceda, y viajar (en tren, motocicleta, lo que sea) en composiciones amorosamente compuestas que dan vida a ambos modos de forma indeleble.

Vive L’Amour

Hay una cierta tendencia entre las películas de arte y ensayo a usar largas tomas de sus protagonistas llorando como un clímax emocional, a veces incluso narrativo. Un extraño hábito, tal vez, y uno que pocos usan con mayor efecto que el de Vive L’Amour de Tsai Ming-liang, una película en la que una soledad compartida uniría a los personajes si alguno fuera consciente de lo cercanos que son a otros en la misma situación.

El hecho de que los tres protagonistas vivan sin saberlo en el mismo apartamento de Taipei amplifica esta ironía, pero no de una manera que nos haga reír; lo mismo ocurre con el título, que subraya igualmente lo solos que están todos.

Club de la lucha

A riesgo de violar la primera regla del Club de la Lucha, afirmamos que la película de David Fincher ha surgido como una especie de piedra de toque generacional entre esa cosecha de obras cinematográficas formal y temáticamente innovadoras desatadas en la cúspide del efecto 2000. Por otra parte, Fight Club todavía exhibe su justa parte de las tensiones pre-milenarias:

Como una película de la mente, se jacta de un acto de tres giros del tamaño de Godzilla que es a la vez completamente preparado y temáticamente resonante. Como una acusación satírica de un cierto culto al machismo, la película sin embargo engendró emuladores e imitadores. (También contiene la escena arriesgadamente poco sincera en la que el impecablemente cincelado Brad Pitt se burla de las representaciones mediáticas de la masculinidad a la moda).

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